Neil Patrick Harris: "soy un hombre gay satisfecho con mi situación y viviendo una vida plena"

Ha actuado en más de una treintena de películas, en más de veinte series de televisión y otros proyectos teatrales. Muchos no lo conocerán por su nombre real, Neil Patrick Harris, pero si concretamos y decimos que se trata del actor que ha interpretado al joven doctor Douglas en “Doogie Howser, MD” y al actual mujeriego Barney Stinson en “How I meet your mother”, seguro que se reconoce más.

Y es que se trata de un actor que empezó en el mundo de la interpretación desde bien joven participó activamente en escuelas y teatros musicales, pero no ha sido a partir del 2005 cuando ha saltado a la fama y ha ganado popularidad.

Fue en el año 2006 cuando Neil salió del armario, durante una entrevista que el actor concedió a la Revista People. Según confesó en la entrevista, decidió confesar su homosexualidad para terminar con el interés de los medios y de la gente sobre sus relaciones y sobre su vida privada. Sus palabras fueron:

“La mirada pública siempre fue amable conmigo y, hasta hace poco, he sido capaz de vivir una vida bastante normal. Ahora parece que hay especulación e interés spbre mi vida privada y relaciones […] me alegría disipar cualquier rumor o malentendido y estiy ciertamente orgulloso de decir que soy un hombre gay satisfecho con mi situación y viviendo una vida plena, y me siento aún más afortunado por trabajar con gente maravillosa en la profesión que amo”.

Actualmente mantiene una relación con el también actor y chef David Burtka, un noviazgo que se confirmo públicamente, durante una entrevista en The Ellen DeGeneres show.

Curiosamente, mientras que algunos de sus papeles han sido de heterosexuales y mujeriegos, otros han coincidido más con su condición homosexual en la vida real. En el 2000 rodó la película “The Next Best Thing”, donde interpretó a David, el novio de Rupert Everett. También apareció como invitado en la serie “Will & Grace” donde dio vida a un personaje que se dedicaba a convertir a los gays en heterosexuales pero que termina descubriendo que realmente le gustan los hombres.

Pero el reconocimiento público de su homosexualidad no le ha perjudicado en su trabajo como actor, ya que muchos de sus papeles a lo largo de su carrera cinematográfica le han valido varias nominaciones a los premios más importantes de la televisión estadounidense como son los Globos de Oro. Asimismo, su aumento de popularidad le ha llevado a presentar los Premios Tony, los Premios Emmy, e incluso inauguró los Oscar del 2010 con un número musical.

 Su fama también le ha llevado a ser una de las 100 personas más influyentes de la revista TIME en 2010 y en septiembre de 2011. Desde que en 2005 interpretara a Barney Stinson en “How I meet your mother” se ha convertido en un actor tan conocido y reconocido que ha sido galardonado con la estrella número 587 en la sección de televisión en el Paseo de la Fama de Hollywood.

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Cynthia Nixon

Cynthia Nixon creció y estudió en Nueva York y ha trabajado como actriz desde 1980, aunque hizo sus primeras apariciones televisivas en los años 50. Estudió arte dramático en HB Studio y muchos la recordamos por su papel de Dana Scully en Expediente X (1993), aunque poco después la sustituyó Gillian Anderson. 


Su primera nominación de éxito fue en el año 1995 a un premio Tony como Mejor Actriz, pero triunfó en 1998 como actriz de reparto en los Emmy, por la serie Sexo en Nueva York. Acabó ganando un Tony en 2006 con The Rabbit Hole, una obra de teatro, y triunfó también en los Grammy, así que ahora sólo le falta ganar un Oscar para completar sus premios. 


Cynthia tiene dos hijos, Samantha y Ezequiel, nacidos de su matrimonio con Danny Mozes, pero en el año 2004 se enamoró de Christine Marinoni y se divorció. A pesar de haber sido siempre muy discreta, la actriz apuntaba al inicio de su relación que su "vida privada era privada", pero añadió que "no tenía nada que ocultar y se sentía feliz". De esta unión nació un tercer niño, Max Ellington. De su experiencia de ser madre, Cynthia dijo que "la maternidad es la única cosa en su vida que realmente sabe a ciencia cierta que era algo que quería hacer". 


Una mujer luchadora, de convicciones muy claras y que ha sabido ser fiel a sus propios sentimientos. No es la primera ni la última mujer (o hombre) que se da cuenta de su verdadera sexualidad después de mantener una relación heterosexual larga, o bien que, sin haberlo considerado antes, se enamora de alguien de su mismo sexo. Su caso podría haber sido muy polémico por estas características y, sin embargo, la pareja que forman Cynthia y Christine es estable, han formado una familia y no dan que hablar. 


La actriz relata su experiencia de esta forma: "nunca me sentía como que no fuera consciente de mi verdadera sexualidad, simplemente se despertó algo en mí, pero no hubo lucha ni ningún intento de suprimirlo. Conocí a esta mujer, me enamoré de ella, y eso es todo".

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Una casa en el fin del mundo

Basada en el libro de Michael Cunningham, la película Una casa en el fin del mundo situada entre los años 60 y 80 y ubicada desde las periferias de Cleveland hasta la ciudad de Nueva York. Nos muestra de manera magnífica la infancia y la adolescencia de dos muchachos de esta época, retratando una realidad esperanzadora e ingenua. Pero estos conceptos desaparecen cuando Bobby, uno de los dos muchachos, pierde a su familia y se ve obligado a buscar familia y una casa para vivir. A partir de este momento el niño establece una relación especial con el otro muchacho, Jonathan y la madre de éste, quienes les ofrecen un refugio y las ganas de seguir sonriendo. La película hace un salto en el tiempo y nos muéstrala vida de los dos muchachos veinte años después, durante los años 80 en Nueva York, donde conoce a Claire. Se trata de la compañera de habitación que cambiará los planes de Bobby y complicarán la relación de éste con su amigo desde hace 20 años, Jonathan.

Entre las interpretaciones cabe destacar las actuaciones femeninas como las de Sissy Spacek y Robin Right Penn, una madre comprensiva y moderna que huye de un conflicto que no quiere afrontar y una mujer que ha sufrido a lo largo de su vida sin tapujos y que vive siguiendo su corazón, respectivamente. El reparto lo completa un elenco de actores masculinos entre los que se encuentran Colin Farrell, cuya interpretación no destaca por su maestría pero a través de su personaje podemos conocer las ganas de una persona para volver a sonreír y el hecho de sacar las fuerzas y las ganas de seguir adelanta sea de donde sea.

La película no destaca por ser una de las mejores y el inicio de es mucho más dinámico y emotivo que el final. Asimismo, por mucho que la película nos muestre la evolución durante un período de 20 años, los personajes crecen pero no evolucionan claramente y el final se parece bastante al principio. Aun así, la temática del filme nos permite conocer uno de aspectos más importantes de las personas en la vida cotidiana como es el valor de la gente a seguir luchando para seguir adelante o la valentía de no hundirse con la muerte de un ser querido.

Aquí tenéis el tráiler de la película:

¡El Arco Iris Libre os desea un buen fin de semana!:)

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Alejandro Amenábar

Alejandro Amenábar es director y guionista cinematográfico, nacido en Chile, pero que ha desarrollado su carrera en España, consiguiendo once premios Goya y un Oscar. También compositor de la mayoría de las bandas sonoras de sus películas, su pasión por el séptimo arte y su talento le han catapultado hacia lo más alto.

Amenábar es abiertamente gay desde 2006, año en que confirmó públicamente su homosexualidad, pero es uno de los personajes más discretos. Podríamos decir que reivindica su homosexualidad sin excederse ni añadirse a ninguna causa concreta, sino mediante su forma de expresión. La mayoría de sus trabajos permite realizar una lectura muy personal, basada en el abandono del cliché, en la visión de la humanidad como algo heterogéneo y en contacto constante, ya sea en un thriller, en un drama rural o en el cine épico. Fascinador de sus espectadores, Amenábar es un ejemplo de esos cineastas capaces de triunfar sin perder su calidad y su independencia, pero sin dejar jamás de deslumbrar a su público.

Nació en Chile, pero se crió en España después de emigrar con su familia en tiempos de Pinochet. Su infancia fue bastante aislada por el ambiente familiar y tampoco fue un espectador de cine habitual, pero sí un gran admirador de Steven Spielberg, que se convertiría en su referente.


Alejandro Amenábar empezó a estudiar Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid, especializándose en imagen. Empezó con ganas, pero el exceso de teoría le hizo aborrecer la carrera, pero no tiró la toalla. Un año más tarde presentó su primer corto La cabeza (1991), que marcó el inicio de su trayectoria profesional junto al director y guionista Mateo Gil. Desde entonces se hicieron inseparables y recorrieron un largo camino juntos, culminando con trabajos como Himenóptero (1992) y Luna (1994). Tras estos cortos, José Luís Cuerda leyó el guión de Tesis, un thriller inspirado en los compañeros de facultad de Amenábar y algunos de sus profesores, que luego se vieron reflejados en algunos personajes. Más tarde, trabajó con Eduardo Noriega en El espíritu de la colmena, descubriendo a Ana Torrent y Fele Martínez, y ganó el Goya a Mejor Película en el 96. Amenábar contaba con sólo 25 años.

Su segundo largometraje fue arriesgado pero triunfó. Abre los ojos, un thriller de ciencia ficción sobre el éxito, que contó con Noriega y Fele Martínez, y el equilibrio femenino de Penélope Cruz y Najwa Nimri. Así consiguió explotar su talento cinematográfico y darse a conocer a nivel internacional. Años más tarde, el cine de Amenábar llamó mucho la atención a Tom Cruise, que acabaría protagonizando Vanilla Sky, un remake firmado por Cameron Crowe, que también contó con Penélope Cruz. Esta nueva versión no fue dirigida por el director chileno, pero sí le sirvió de contacto con Hollywood para consolidarse.

Quizá su largometraje de éxito ha sido Los Otros, producida por Cruise y protagonizada por Nicole Kidman, aunque Amenábar no quiso incluir más caras conocidas en el repertorio. Un relato de fantasmas en una siniestra casa victoriana como escenario, con un final elegante, quizá de los más sorprendentes del cine reciente. Con esta película obtuvo críticas extraordinarias en todo el mundo y arrasó las taquillas americanas, lo que le valió un lugar en la industria hollywoodiense.

Inspirándose en la vida de Ramón Sampedro, un escritor tetrapléjico que fue el rpimer español en pedir la eutanasia por vía legal, Alejandro Amenábar hizo lo que muchos consideran su obra maestra: Mar Adentro. Triunfó en las taquillas, arrasó en los Goya, consagró a Belén Rueda en la gran pantalla y le valió la segunda Copa Volpi del Festival de Venecia a Javier Bardem. Aunque el premio más importante para el largometraje fue el Oscar a la Mejor Película en lengua extranjera, ya que era la primera vez que una película de Amenábar era nominada en esta categoría.

Después de su triunfo internacional, Amenábar no perdió nunca su esencia y dio un vuelco a su estilo con Ágora, una película inspirada en un personaje histórico real, Hipatia de Alejandría. El abismo del Mundo Antiguo y una lucha religiosa con Rachel Weisz como protagonista, un trabajo magistral que dio la oportunidad a actores jóvenes y consiguió deslumbrar a su público.


Interesante entrevista de Iñaki Gabilondo a Alejandro Amenábar: 

Os dejamos en este link uno de sus primeros trabajos, el corto Luna.    

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Rent

“December 24^th, 9pm, Eastern Standard time from here on in I shoot without a script”

Así empieza Rent, el musical que hablaremos hoy, ya que su historia se desarrolla en tres navidades consecutivas.

Rent es uno de los musicales más importantes y populares de Broadway. Se estrenó en Nueva York en 1996 y se mantuvo en cartel hasta el verano de 2008, siendo uno de los musicales más longevos en cartel. Además, es ganador de cuatro premios Tony (los más importantes del teatro musical norteamericano) y un Pulitzer. El verano del 2010 se reestrenó en el Off-Broadway con diversos cambios en su escenografía, vestuario y montaje.

En 2005 Chris Columbus lo adaptó al cine, pero el resultado no fue muy favorable y el éxito fue más bien moderado. Pero el musical en sí se ha convertido en un espectáculo de culto por diversas razones.

En primer lugar, fue un musical rompedor. Su creador, Jonathan Larson, incorporó muchas innovaciones, como poner encima del escenario un grupo de rock para que interpretara sus canciones. La historia está basada en la ópera La Bohème de Giácomo Puccini, pero sus canciones son rock y pop muy original.

En segundo lugar, no se había creado nada igual en el sentido de la historia. Se mostraba la homosexualidad, la pobreza, las drogas, la enfermedad y la diversidad de un modo muy emotivo. Hay ocho personajes: Mimi Márquez (bailarina hispana adicta a la droga, enferma de SIDA), Roger Davis (excantante de un grupo, adicto a las drogas, enfermo de SIDA), Mark Cohen (amante del cine judío), Tom Collins (exprofesor, homosexual, enfermo de SIDA), Angel Dummot Schunard (transexual latino, enfermo de SIDA), Maureen Johnson (artista bisexual), Joanne Jefferson (abogada lesbiana) y Benjamin Coffin III (excompañero de piso de los protagonistas, se ha convertido en el propietario).

El personaje de Angel es de lo más importante, la historia de los personajes se verá marcada por él. Todos tienen sus problemas y conflictos, pero él es quien les une y quien les separa después. Todos están unidos por la pobreza (atados a tener que pagar el alquiler –Rent–) y las diferencias en su orientación sexual y sus enfermedades, que más que separarles, les une, creando incluso un lazo emotivo con los espectadores.

Su creador, Jonathan Larson, era un chico amante del teatro musical que soñaba con crear su propio espectáculo. No había tenido mucha suerte, de modo que trabajaba de camarero para ganar algo de dinero. Cuando finalmente aceptaron a producir Rent, abandonó su trabajo para dedicarse completamente al show. Un día antes del estreno, falleció causa de un aneurisma de aorta, que es una dilatación de la pared de la arteria.

Rent no es un musical bonito, no es todo feliz. Está lleno de problemas, de pobreza, de enfermedades, pero, sobre todo, de amor. Es un musical que ha marcado a diversas generaciones, que ha llegado a muchas personas. Su historia va más allá de los 8 protagonistas, también es un mensaje de amor y esperanza. Su última función en 2010 fue filmada y se publicó en DVD. Es muy recomendable, sus últimas escenas son de lo más emotivas, los actores llorando por el final del show, es fácil soltar alguna lagrimita. 100% recomendable.

Algunas de sus canciones se han convertido en míticas, como la que os dejamos a continuación, Seasons of Love. Se convirtió en una de las canciones más importantes tras la muerte de Larson. Si escucháis la letra, entenderéis el porqué.

¿Conocíais este musical? ¿Os gusta? ¿Os impactó, la primera vez? Queremos saber vuestras opiniones :)

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GAMBAS HOMOSEXUALES EN HAPPY FEET 2

Polémica en Estados Unidos con la película de animación de Dreamworks, Happy Feet 2. En el largometraje infantil, aparecen dos gambas (con las voces originales de Matt Damon y Brad Pitt) que parecen ser homosexuales.

Kyle Smith, del New York Post, se escandalizó al ver que Bill (la gamba de Matt Damon) le pedía a Will (Brad Pitt) tener hijos. Entonces, la gamba de Pitt le dice que los dos son machos, pero Damon le contesta que eso no es ningún problema. Entonces cantan una canción de Wham! (grupo de George Michael).

Kyle Smith comentó: “I’ve got nothing against alternative-lifestyle krill, but what are they doing in my dancing-penguin movie?” (Yo no tengo nada en contra del estilo de vida alternativo de las gambas, ¿pero qué están haciendo en mi película de pingüinos bailarines?).

El comentario de Smith es una falacia. Estar de acuerdo con la homosexualidad (más bien “no estar en contra”), pero sí oponerse a que se muestre a los niños, es pura homofobia. Los niños deben ser conscientes que en la sociedad hay gran variedad de personas, que eso nos distingue pero a la vez nos une. La sociedad conservadora teme que, si los niños ven homosexuales, querrán serlo, como si, primero, eso fuera malo y, segundo, como si fuera una moda (ahora soy gay, ahora ya no, ahora otra vez sí, ahora no…).

Pero esto va más allá de la homosexualidad en el cine. En un artículo de El Mundo, podemos leer que “Hollywood es de izquierdas y a la derecha no parece gustarle demasiado”. Los conservadores americanos se escandalizan con, por ejemplo, Cars 2, por atacar a las empresas petroleras. Los conservadores no aceptan otras ideas, más allá de las suyas, tienen la mente tan cerrada que atacan a la diferencia, viéndola como una amenaza. Son un peligro.

Fuente:

Fox Nation

El Mundo

La Sexta 3

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La mala educación, transexualidad y abusos

La Mala Educación es una película escrita y dirigida por Pedro Almodóvar que se estrenó en 2004 y fue proyectada en muchos festivales internacionales de cine como Nueva York, Toronto, Moscú, Cannes o Estados Unidos. La Mala Educación no es una película autobiográfica como se pensó en el momento de su estreno, sino que Almodódovar, como en muchas otras ocasiones es un fiel defensor de los derechos LGTB y por ello esta película trata con gran interés el tema. El reparto está encabezado por Gael García Bernal, Fele Martínez, Javier Cámara o Lluis Homar, entre otros.

La Mala Educación está ambientada en Madrid de 1980. Narra la historia de Enrique, un director de cine que recibe la visita de un actor en busca de trabajo, que afirma ser su compañero de colegio y primer amor. Se trata de Ignacio, su compañero, de nombre artístico Ángel, que le lleva una historia llamada “La Visita” sobre ambos durante sus años en el colegio católico y los abusos físicos y sexuales que sufrieron por parte del padre Manolo.

En dicha historia aparecen tres personajes del colegio años después, cuando son adultos. Enrique es un joven padre de familia e Ignacio se ha convertido en Zahara, un travesti drogadicta que imita a Sara Montiel en un club nocturno. El relato está contado desde el punto de vista de Zahara y el encuentro ficticio de los tres personajes termina de manera trágica.

Enrique desconfía de Ignacio al ver que éste es diferente de cuando era más joven. Cuando viaja a Galicia para visitar a la familia de Ignacio descubre que el verdadero Ignacio lleva cuatro años muerto y que fue su hermano pequeño el que se personó en la oficina de Enrique.

Las actuaciones en esta película, especialmente de Gael García Bernal, son muy creíbles. Los dos principales protagonistas se meten de lleno en el papel de dos homosexuales, uno de ellos además transexual. En algunos casos el comportamiento de ciertos personajes, como Paca o Paquito (Javier Cámara) –metido en la piel de un transexual que acompaña a Zahara al internado donde ésta estuvo de pequeña para conseguir dinero del padre Manolo–, hacen que la película sea más fácil de digerir y más divertida. Unos  de los aspectos que hay que destacar independientemente de la actuación de los actores y de la trama argumental es la banda sonora, con una voz del Ignacio de pequeño que pone los pelos de punta. Asimismo, en esta película aparece el “cine dentro del cine”, un tema que ya ha aparecido en otras películas del director manchego como ¡Átame!.

Sin duda, la expectación y las ganas de verla aumentan por dos motivos: por ver el tratamiento de la religión y el abuso a los niños, una temática bastante actual durante el último año y por reinterpretar la sociedad de Madrid en el año 1980. Esta es una muchas películas que llevan el sello Almodóvar, donde aparecen temas propios de la filmografía del director como son los homosexuales, las drogas o los líos.

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Anna Paquin

La actriz Anna Paquin es la inolvidable Flora de la película El Piano, que le valió su primer Óscar, con tan sólo once años. Después de su exitoso debut en el cine, ha ido construyendo una carrera entorno al cine independiente y últimamente ha vuelto a ganar popularidad gracias al papel de Sookie Stackhouse de la serie True Blood.

Mitad canadiense, mitad neozelandesa, Anna ha interpretado papeles de calidad com el de Jane en la película Jane Eyre en 1996, o el papel de Rogue, en X-Men, en el año 2000. Su juventud y su encanto la lanzaron al estrellato después de arrebatar el Óscar a actrices como Winona Ryder o Emma Thompson, pero jamás ha perdido su sentido de la responsabilidad, su personal timidez y su carácter amable. Quizá por ese motivo fue más relevante el momento en que se decidió a aceptar públicamente su bisexualidad, y lo hizo de la forma más natural posible y por una buena causa. Además, por ese entonces estaba prometida con Stephen Moyer, y se notó que no era la típica famosa en busca de publicidad a raíz de su orientación sexual.

Anna Paquin colaboró en abril de 2010 con True Colors, la fundación de Cindy Lauper dedicada a luchar por los derechos LGTB y, más concretamente, con su campaña I give a damn, que traduciríamos como “sí me importa”. Junto con otros famosos del mundo LGTB como Elton John, Anna dijo sin tapujos “soy bisexual y sí me importa”, y además se atrevió a criticar la situación de discriminación y tortura que sufren los homosexuales en Estados Unidos. 

Una forma muy natural y contundente de demostrar que no hace falta hacer una exclusiva para comentar, en un contexto más que adecuado, la propia orientación sexual. Algo que no debería ser motivo de controversia, pero un paso importante que los personajes conocidos pueden dar para servir como ejemplo. 

Queremos recordar con ternura el momento en que Anna ganó el Óscar:

Y aquí os dejamos la campanya de True Colors:

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Habitación en Roma

"Lo que estoy sintiendo en este momento se parece muchísimo al amor"

Alba

Dos mujeres. Dos pasados. Dos almas. Una sola noche.

Lo que algunos se han atrevido a llamar “dos mujeres f* sin parar en un hotel” u otras barbaridades similares, nosotros le llamamos AMOR. Y amor así, en mayúsculas.

Dos mujeres jóvenes que acarrean cada una un pasado distinto. Natasha es una rusa alta, esbelta y tímida. Alba es una española sensual y cómplice del amor y la ternura. Cada una arrastra un pasado distinto que se irá desvelando a lo largo de una noche de pasión, tristeza, erotismo y reflexión. Una habitación en Roma. La ciudad del amor por excelencia casi no llega a aparecer en toda la película, el protagonismo no es suyo, Roma es tan sólo el paisaje de algo que transcurre rápido y lento a su vez.

El lugar es esa habitación de hotel que adquiere una intimidad absoluta. Sus paredes llenas de frescos con motivos mitológicos consiguen protagonizar el descenso de cada lágrima, de cada sonrisa, de cada momento cómplice entre las dos protagonistas. Cada minuto parece un complaciente desafío para Alba y Natasha, que luchan contra la madrugada.

Julio Medem hace un trabajo excelente y decisivo, apostando por un tema tan intenso como polémico. Podríamos decir que trata esta historia de encuentro, pasión y amor de la misma forma en que lo haría con una pareja heterosexual. Pero no es así, no podemos compararlo. La naturalidad, la complicidad y la pasión de dos mujeres que no se preguntan si son lesbianas o no, o qué ocurrirá después de esa noche.

La necesidad de dar y de tomar, sin ninguna dosis de morbosidad. Es difícil crear una historia así con cualquier otra pareja, porque a menudo pierde autenticidad. Pero Natasha y Alba son distintas. O podríamos decir, que Natasha Yarovenko y Elena Anaya hacen que sus personajes sean distintos. Historias de un jeque árabe, identidades inventadas, interrogantes comunes que se resuelven y disuelven en pasión in crescendo, condensada en esa habitación plagada de imágenes del dios Cupido. El sexo adquiere un sentido álgido, el de la conexión y el diálogo entre dos mujeres desconocidamente conocidas.

Un Loving Strangers de Russian Red acompaña esta historia, incapaz de ser previsible o premeditada, y sorprendente al fin. Visualmente cálida y rica, Habitación en Roma encuentra en el sonido una pequeña e intensa recompensa, y en el arte el testimonio más puro. Una pintura de Alberti Leon Battista preside la cama, pero será Cupido el culpable de la desesperación más absoluta, bajo el agua, con el sol amaneciendo tras la ventana.

Fácilmente criticable por el público general, pero difícilmente prescindible para aquellos que, como nosotros, amamos el amor.  

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“Nos ven pero no nos oyen”

Con películas oscarizadas como Hable con ella o Todo sobre mi madre, Pedro Almodóvar es uno de los directores españoles por excelencia. Nacido en la Mancha en 1949, sus padres le enviaron a un colegio religioso para que fuera sacerdote, pero se opuso a sus padres y se acabó trasladando a Madrid para estudiar cine, su pasión. Esta pasión llegó a ser tal que tuvo que aprender hacer cine por autoformación debido a que la dictadura cerró la Escuela Nacional de Cinematografía. Su afición cinematográfica hizo que consiguiera un empleo con un horario suficientemente flexible para seguir trabajando en el campo de la música y el cine.

Durante su aprendizaje cinematográfico se inspiró en directores como Luis Buñuel –otro de los directores españoles más reconocidos–, Federico Fellini o Alfred Hitchcock. Empezó su carrera en el cine con cortos como Salomé y Sexo va, sexo viene, y fue en el año 80 cuando empezó´su carrera como director de largometrajes.

Tenga o no proyección internacional, sus películas siempre contienen sus señas de identidad como Pedro Almodóvar, como el concepto de familia, el humor, los decorados de plástico, los colores llamativos o muchas mujeres, entre ellas algunas transexuales. Las películas que lo catapultaron a la fama internacional fue Mujeres al borde de un ataque de nervios, seguida por Todo sobre mi madre (película que le supuso el primer Oscar) y Hable con ella.

Su carrera cinematográfica ha pasado por 5 fases: una etapa experimental (Tim, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón), una etapa con influencia del director Fellini (Entre tinieblas), una etapa con influencia de los maestros (Mujeres al borde de un ataque de nervios), una etapa autobiográfica (Todo sobre mi madre, Volver) y una etapa noir (La mala educación o La piel que habito).

La gran cantidad de películas dirigidas por el director manchego son una prueba de su talento nato. Es un personaje querido en nuestro país, idolatrado en Francia y muy seguido en Estados Unidos. Pero no todo son alabanzas hacia él, ya que algunos le acusan de arrogante, de encajar mal las críticas y de no llevarse bien con quienes no lo adulan.

Hace dos años se publicó una lista con los personajes homosexuales más influyentes del panorama español, y la popularidad de Pedro Almodóvar ha hecho que se encuentre en esta lista junto con el diputado socialista catalán, Miquel Iceta, o la catautora Inma Serrano. Concretando las opiniones de Pedro Almodóvar acerca de la homosexualidad del director, éste declaró que “Nos ven pero no nos escuchan”. Con su cine y sus reivindicaciones, ha ayudado y apoyado que los gays y lesbianas españoles consigan derechos que los equiparan al resto de los ciudadanos. Almodóvar piensa que la visibilidad pública de gays y lesbianas es importante y se incluye en este colectivo: “Nosotros, que tanto hemos luchado por nuestros derechos y nuestra libertad, estamos dispuestos por la libertad de otros. Sabemos bien cómo se hace eso, estamos acostumbrados a la sensibilidad que hace falta para luchar por los demás, por las mujeres, por la gente diferente o discriminada”.

Junto con Luis Buñuel, Pedro Almodóvar es el director de cine español más reconocido y premiado de la historia. Una muestra de su talento y sus ganas de hacer bien el trabajo la encontramos con los premios conseguidos: dos Oscar, dos BAFTA, mejor director y guionista en Cannes, siete premios del Cine Europeo, tres Goya, Premio Príncipe de Asturias de las Artes, entre muchos otros.

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Brokeback Mountain

"Sometimes I miss you so bad I can hardly stand it. I wish I knew how to quit you"

La inolvidable  película de Ang Lee es un disparo directo al corazón. Una película histórica donde triunfan el fallecido Heath Ledger y Jake Gyllenhaal, dos personajes que se convierten en un alud de sentimientos y construyen una historia de amor desafiante. Dos trabajadores de rancho de Wyoming que se enfrentan ante sus propios deseos y negaciones. 

Una delicada adaptación del cuento corto escrito en 1997 por Annie Proulx, a manos de los guionistas Larry McMurtry y Diana Ossana, junto con la delicadeza de Lee, presentan una descarga emocional tan incesante como vulnerable.

Los medios de comunicación americanos la siguen etiquetando BrokeBack Mountain como la película de vaqueros gay, y la sociedad observa como la homofobia de la Iglesia y otros organismos conservadores, condenan la película sin tan siquiera dignarse a verla. Hagan e l favor: vean primero la obra de Lee y luego hagan sus juicios. La realidad es que es una revelación. La historia de Jack Twit y Ennis del Mar empieza en 1963, cuando son contratados para cuidar del rebaño de ovejas de Joa Aguirre, un ranchero de Wyoming. El whisky y los caballos permitirán a los protagonistas ir tejiendo una relación personal y dar testimonio de que en el amor, no hay ningún manual de instrucciones. La complicidad, el deseo, el frío, la duda… decidirán el resto.

El cuento de Proulx explicaba que “Nunca se habla de sexo [en su historia], se deja que suceda, al principio sólo en la tienda por la noche, luego a plena luz del día con el calor del sol, y por la tarde en el resplandor del fuego”. Ang Lee y su equipo consiguen transformar esta historia en poesía visual a través de la naturaleza, capaz de transmitir belleza y terror, y de un diálogo inteligente y natural. "No es asunto de nadie más que nosotros", Jack le dice a Ennis. El amor de los dos protagonistas termina cuando su jefe les descubre y decide no contratarlos. Ambos se casan y tienen hijos, sin afán de vivir mentiras, pero la verdad siempre acaba resurgiendo y, esta vez, lo hace cuando Jack visita a Ennis después de cuatro años. 

Ang Lee dirige una historia de amor menos venenosa de los que muchos quieren hacernos creer. El diálogo convive perfectamente con silencios necesarios, para crear un mundo entero que se puede leer de manera elocuente y conmovedora en los rostros de los actores.

Magnífica interpretación de Ledger en muchos momentos, porque parece que el amor se agarra a sus entrañas. Ledger no sólo sabe cómo Ennis se mueve, habla y escucha, sabe cómo respira. Como Jack le dijo a Ennis una vez, "Brokeback nos hizo bien".  

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De-Lovely

Este fin de semana, os recomendamos otra película musical. En este caso, porque mañana se cumplen 47 años de la muerte del mítico músico y compositor de Broadway, Cole Porter.

De-Lovely comienza en el apartamento del compositor, cuando está tocando una canción triste. Entonces, de mano del arcángel Gabriel (Jonathan Pryce) –escogido expresamente para poder después cantar la canción Blow, Gabriel, Blow del musical Anything Goes–, recuerda toda su vida desde la butaca de un teatro, como un espectador más.

Así pues, recordará cómo compuso muchos de sus famosos musicales, como See American First, Anything Goes, Kiss Me Kate, Jubilee… Pero también recordará cuando se enamoró del amor de su vida y musa, Linda Lee Porter (Ashley Judd). Muchas de las canciones de los musicales, estaban inspiradas en su mujer, en situaciones que habían vivido los dos y, por lo tanto, eran muy pasionales y profundas.

Pero había necesidades que Linda no podía cubrir. Y es que Cole Porter (Kevin Kline) era bisexual y mientras estaba casado con su mujer, también se enamoró y tuvo relaciones con otros hombres. Un número en que se representa esto es Love for Sale, donde Porter visita muy a menudo bares de ambiente. Su mujer conoce esta faceta de su marido y la acepta.

La película realmente está muy bien. Se mezclan las escenas con canciones de Cole Porter, como It’s De-Lovely, So in Love, Anything Goes, Night and Day, Let’s Do It (Let’s Fall in Love)… Muchas de las cuales, están interpretadas por caras conocidas como Robbie Williams, Sheryl Crow y Alanis Morissette.

Es un retrato de uno de los músicos más importantes de Broadway de los últimos tiempos, sus musicales se reestrenan frecuentemente en Nueva York, el último de ellos fue este mismo año, Anything Goes, que ganó 3 premios Tony Awards, los más importantes del teatro musical, por el mejor revival de un musical, mejor actriz de un musical (Sutton Foster) y la mejor coreografía (Kathleen Marshall).

Pero también es impactante el deseo de normalidad de la homosexualidad incluso en las primeras décadas del siglo XX. Cole Porter es bisexual, pero su mujer lo acepta como algo necesario, que no puede cambiar, que forma parte de la manera de ser de su marido. Cuando Gabriel le pregunta al protagonista si, cuando se acostaba con hombres era realmente él, le contesta: “¿Por qué? Así eran las cosas, así era yo. Quería a todas las formas de amor disponibles y nunca las encontraba en una sola persona ni en un solo sexo.”

De-Lovely también es un film dedicado al amor por la música, la pasión de las artes, el escenario, los musicales. Una frase mítica que representa este énfasis por el mundo del espectáculo es: “Si yo fuera creyente, Dios sería bailarín y cantante. Tendría que cantar sin desafinar, de preferencia, un tema mío”.

De-Lovely. 2004. Director: Irwin Winkler. Guión: Jay Cocks. Reparto: Kevin Kline (Cole Porter), Ashley Judd (Linda Lee Porter), Jonathan Pryce (Gabe), Kevin McNally (Gerald Murphy), Sandra Nelson (Sara Murphy), Allan Corduner (Monty Woolley), Peter Polycarpou (Louis Mayer), Keith Allen (Irving Berlin), James Wilby (Edward Thomas), Kevin McKidd (Bobby Reed), Richard Dillane (Bill), Edward Baker-Duly (Boris).

Y a continuación, no podía faltar el trailer:

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Were the World Mine

Timothy (Tanner Cohen) es un chico abiertamente homosexual que vive en un pueblo muy conservador norteamericano. Su madre, Donna (Judy Mclane), acepta la condición sexual de su hijo, pero desde la distancia e intentando obviar el tema, ya que la conlleva al rechazo de la sociedad.

Motivado por su profesora de arte dramático, Mrs. Tebbit (Wendy Robie), Timothy participará en la obra musical de la escuela, Sueño de una noche de verano de William Shakespeare, y hará el papel de Puck. También participa el chico del que está enamorado, Jonathon (David Becker).

En la obra original de Shakespeare, Puck creaba una poción mágica que aquel que la recibía se enamoraba de la primera persona que veía. En Were the World Mine, Timothy descubre cómo hacerla y la usa con Jonathon para que se enamore de él, pero también con los demás ciudadanos del pueblo, que la mayoría se vuelven homosexuales.

La película es un musical muy original en las coreografías y en las canciones, ya que mezclan versos de la obra original de Shakespeare. Pero la historia no es muy buena por el hecho de ver cómo un chico homosexual cumple sus deseos de volver a los demás gays. Es muy tópico, aunque también es una crítica al conservadorismo, lleno de prejuicios y homofobia.

Es impactante el papel de la madre de Timothy, que tolera la homosexualidad de su hijo, pero no se quiere acercar demasiado para no poner en peligro su trabajo. De hecho, se molesta por el hecho que su hijo haga el papel de Puck, pues es un hada.

Were the World Mine, es un relato de las dificultades de la homosexualidad en la adolescencia, acentuadas por la homofobia de una sociedad más bien conservadora en valores morales. Pero también es un relato de los sueños y las fantasías, del deseo de libertad y, ante todo, de amor.

Were the World Mine. 2008. Director: Tom Gustafon. Guión: Tom Gustafson, Cory James Krueckeberg. Reparto: Tanner Cohen (Timothy), Wendy Robie (Mrs. Tebbit), Judy McLane (Donna), Zelda Williams (Frankie), Jill Larson (Nora), Ricky Goldman (Max), Nathaniel David Becker (Jonathon), Christian Stolte (Entrenador Driskill), David Darlow (Doctor Bellinger), Brad Bukauskas (Cole), Parker Croft (Cooper), Reid Dawson (Russ), Waymon Arnette (Henry), Yoni Solomon (Bradley), Alexander Aguilar (Taylor), Zach Gray (Ian), Colleen Skemp (Becky), Julia Black (Crystal), JR Rose (Alcalde Robbins).

Y aquí va el vídeo de la canción que da nombre a la película: 

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Elena Anaya

Si nuestras mano se encuentran en mitad de la mesa terminamos juntas, ¿vale?

Posiblemente una de las frases más difíciles de olvidar de la película Habitación en Roma, de Julio Medem. La tensión, el deseo, la nostalgia, la ilusión… y un final tan inesperado como el inicio. Muchos conocieron en ese filme a Elena Anaya y empezaron a pensar que podía convertirse en la nueva embajadora del talento español. Algunos afirman que sigue los pasos de Penélope Cruz, y además se ha convertido en chica Almodóvar en su último trabajo La piel que habito, que ya levanta pasiones. Pero Elena afirma que Penélope y ella tienen más de distintas que de iguales.
 

Elena Anaya no es una de esas actrices que debutaron en su infancia, ni tampoco descendiente de una familia de actores, ni tan siquiera la aceptaron en las primeras pruebas de acceso a la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. Como afirmó ella en un encuentro virtual con sus fans en 20minutos.com, ‘siempre lo había llevado dentro, como un sueño muy lejano’. A simple vista, sus inicios parecieron poco motivadores. Pero con la brillante interpretación en Lucía y el sexo, de Julio Medem, el público se da cuenta de que sí puede ser oro lo que al principio no reluce. El trabajo duro, la tenacidad y la autenticidad han hecho de Elena Anaya una de las actrices más valoradas de nuestro país.
 

Debutó en el cine com Familia, de Fernando León, y compaginó sus estudios de arte dramático con obras de teatre como Una luz que ya no está, y también en proyectos de cine como Las huellas borradas, de Enrique Gabriel. Pero fue Belén, la niña seductora de la película de Medem, quien la dio a conocer y le premió con un Goya.

Los años de degustación de las mieles de Madrid quedaron algo atrás cuando Hollywood descubrió su enorme potencial. A partir de 2004, Elena empezó su carrera en Estados Unidos con películas como Van Helsing, de Stephen Sommers, o Dead Fish, de Charley Stadler. Su vuelta a España fue por la puerta grande con Alatriste, de Agustín Díaz Yanes. Una carrera tan meditada como trepidante pero, según Elena, ‘ser actriz no le ha supuesto renuncias, sino un enriquecimiento como persona’.

Musa de Almodóvar

Pero quizá el mejor papel, aunque odiado por algunos sectores de la sociedad, y también admirado por otros, es el de Alba en Habitación en Roma. La creciente fama de Elena ha culminado con el estreno de La piel que habito, que protagoniza junto a Antonio Banderas. Ya trabajó con Pedro Almodóvar en Hable con ella hace ya diez años, pero esta vez la actriz asegura estar en completa sintonía con el director, con el que ‘no hubo ni un solo día en el que nos costase entendernos’. Elena describe a Pedro como fácil, apasionado y generoso, que te cuida y te respeta. La interpretación de Vera no ha dejado indiferente a nadie.

Junto con el éxito ante el inminente estreno de la película, este verano ha estado marcado por un cierto revuelo mediático. La revista Cuore publicó en agosto fotos de la actriz con su pareja en una playa nudista de Menorca, imágenes que recorrieron todo el país. Elena Anaya consiguió ser Trending Topic de Twitter sin querer. Además, la ya conocida terquedad de los paparazzi ha conseguido desvelar la identidad de la pareja. Se han llegado a publicar fotografías tomadas hace dos años en las que ya se sospechaba que estaba con esa chica, a la que ahora ya se le pone nombre. 

Se trata de Beatriz Sanchís, una valenciana que también trabaja en cine y llegó a ser nominada al Goya por su cortometraje La clase, con el que debutó en la Berlinale. Con el segundo corto, llamado La mitad de mí, se incluyó dentro de una lista de cortometrajes del Ministerio de Cultura.
 

Un carácter apasionado ante la vida

Los caminos de Elena y Beatriz se cruzaron en el instante en que la directora le permitió visionar su trabajo a la actriz, que afirmó que 'sospechaba que los trabajos de Beatriz escondían algo único y que me sería difícil encontrarle parecidos a otros trabajos que jamás hubiese visto, pero no imaginé que estarían tan a años luz del resto. Al igual que ella, no podían ser de otra manera (…) Su carácter apasionado ante la vida hace que sus historias también lo sean’.
 

En 2012 se estrena el primer largometraje de Beatriz Sanchís, llamado Todos están muertos, en el que Elena tiene papel protagonista. La actriz no se ha pronunciado sobre su orientación sexual ni sus relaciones de pareja, tan sólo respondió cuando el diario El Mundo la incluyó en la lista de los 50 españoles LGTB. ‘No leo ese periódico’, dijo Elena, y no hace falta nada más. A pesar de la polémica desatada por las fotografías, la actriz sigue haciendo uso de la discreción y la indiferencia, dos armas legítimas y eficaces para no empañar su rotundo éxito.

La Sexta habla sobre las polémicas fotos en Verano Directo. ¿Dónde está el límite entre la privacidad de las personas? ¿Qué significa ser un personaje público? ¿Periodismo o intrusión?

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