Estirado en la cama noto que los brazos se me estiran y suben solos al cielo. Intento cogerlos como un juego pero enfadado me doy cuenta de que no los puedo atrapar. Los dedos se estiran, las uñas crecen para arañar mi aliento. Siento frío en las piernas y se me congelan, intento saltar al suelo para sobrevivir, agarrarme a algo que estoy convencido de que existe.
De pronto, el pelo se me vuelve de color verde y en los brazos me aparecen hojas. La piel se me estira y se me vuelve dura, se pinta de color marrón. El pecho se infla en un intento de dejar de latir para empezar a palpitar. Me aguanto la respiración en un intento de pararlo, pero es imposible.
En la cabeza solo suenan los gritos, mis berridos de pánico. Es un alarido agudo, estridente, se me mete en el cerebro constantemente. En un último ataque de nervios, por fin consigo decir:
- ¡Cállate Dafne, ahora Apolo me persigue a mi!
Creo que esto se ha acabado, me doy por vencido. Soy un árbol. Quizás me he muerto, para que pueda nacer esta flor. Por fin la puedo oler, no sé si me gusta su tacto, no se si me siento feliz o triste.
Las lágrimas me hierven por dentro y una nueva tortura me atormenta: mis gritos, que no callan. Sé que me perforarán el cerebro para siempre.
Glee es una serie norteamericana que trata sobre un grupo de marginados que crea un grupo de canto en el instituto, el New Directions. Se bromea con los estereotipos y los roles predefinidos, creando unos personajes muy exagerados pero que evolucionan y se hacen más creíbles a medida que se encuentran en distintas situaciones e historias.
En Estados Unidos se emite ya la tercera temporada. Ryan Murphy, creador de esta serie y la nueva American Horror Story, anunció que en la cuarta temporada habría un cambio importante de personajes, desapareciendo algunos de ellos como Rachel (Lea Michele), Finn (Cory Moneith) y Kurt (Chris Colfer). Pero finalmente, por la presión de los seguidores en las redes sociales, los personajes seguirán en la serie, aunque ya habrán acabado sus estudios en el instituto.
Ryan Murphy es homosexual y la dura realidad que sufren los gays y lesbianas, la homofobia y el acoso, sobre todo en el instituto, por experiencia propia de su creador, aparece en la serie. Por eso, Kurt, en la segunda temporada sufrió un duro acoso por parte de los jugadores homófobos, concretamente por Karofsky, un chico que resulta guardar también un gran secreto.
Kurt conoce Blaine y se enamoran. Inician así una relación amorosa que dura hasta la actualidad en la serie. A partir de esa relación, Kurt vive un momento de orgullo y lucha a favor de la libertad sexual. Uno de los capítulos más representativos es el especial “Born This Way”, aprovechando la canción LGTB de Lady Gaga. Ni Kurt ni Blaine esconden su condición sexual, aunque, por ejemplo, no se besan en el instituto para evitar los insultos. Sus compañeros de New Directions siempre les defenderán.
En los últimos capítulos, la trama se ha puesto muy interesante con la relación de Brittany y Santana. La latinoamericana, Santana, ha sufrido el acoso de las clases políticas más conservadoras. Una de las escenas más impactantes es cuando le explica a su abuela que le gustan las chicas. No lo acepta y no quiere saber nada de ella.
Este mensaje de libertad sexual en Glee choca con el conservadorismo de su cadena, Fox, que se ve muy visible en capítulos como “Grilled Cheesus”, donde las pregarias y la religión curan el padre de Kurt cuando sufre un infarto. El chico es mal visto por ser ateo, sus compañeros le animarán siempre a creer en algo. La religión pide respeto y tolerancia, pero es la primera en no aceptar ni tolerar que alguien no crea en nada.
Hasta ahora, Santana había sido más moderada y discreta con su relación con Brittany, pero habrá que esperar cómo cambiará su historia a partir de ahora. Y si os gusta Glee y los musicales, el día 6 de febrero la NBC americana estrena Smash, una nueva serie musical con muy buena pinta, habrá que verla (si clickáis en la palabra, veréis el trailer. Piel de gallina... avisados estáis).
Y a continuación os dejamos una de las últimas actuaciones más impresionantes de Glee. Santana cantando un mix de "Rumour Has It" y "Someone Like You", de Adele, en referencia a la presión que siente por los rumores, burlas y comentarios sobre su orientación sexual. ¿Seguís la serie? ¿Os gusta? Queremos saber vuestra opinión, mientras suena Rumour Has It/Someone Like You:
Basada en el libro de Michael Cunningham, la película Una casa en el fin del mundo situada entre los años 60 y 80 y ubicada desde las periferias de Cleveland hasta la ciudad de Nueva York. Nos muestra de manera magnífica la infancia y la adolescencia de dos muchachos de esta época, retratando una realidad esperanzadora e ingenua. Pero estos conceptos desaparecen cuando Bobby, uno de los dos muchachos, pierde a su familia y se ve obligado a buscar familia y una casa para vivir. A partir de este momento el niño establece una relación especial con el otro muchacho, Jonathan y la madre de éste, quienes les ofrecen un refugio y las ganas de seguir sonriendo. La película hace un salto en el tiempo y nos muéstrala vida de los dos muchachos veinte años después, durante los años 80 en Nueva York, donde conoce a Claire. Se trata de la compañera de habitación que cambiará los planes de Bobby y complicarán la relación de éste con su amigo desde hace 20 años, Jonathan.
Entre las interpretaciones cabe destacar las actuaciones femeninas como las de Sissy Spacek y Robin Right Penn, una madre comprensiva y moderna que huye de un conflicto que no quiere afrontar y una mujer que ha sufrido a lo largo de su vida sin tapujos y que vive siguiendo su corazón, respectivamente. El reparto lo completa un elenco de actores masculinos entre los que se encuentran Colin Farrell, cuya interpretación no destaca por su maestría pero a través de su personaje podemos conocer las ganas de una persona para volver a sonreír y el hecho de sacar las fuerzas y las ganas de seguir adelanta sea de donde sea.
La película no destaca por ser una de las mejores y el inicio de es mucho más dinámico y emotivo que el final. Asimismo, por mucho que la película nos muestre la evolución durante un período de 20 años, los personajes crecen pero no evolucionan claramente y el final se parece bastante al principio. Aun así, la temática del filme nos permite conocer uno de aspectos más importantes de las personas en la vida cotidiana como es el valor de la gente a seguir luchando para seguir adelante o la valentía de no hundirse con la muerte de un ser querido.
Aquí tenéis el tráiler de la película:
¡El Arco Iris Libre os desea un buen fin de semana!:)
“December 24th, 9pm, Eastern Standard time from here on in I shoot without a script”
Así empieza Rent, el musical que hablaremos hoy, ya que su historia se desarrolla en tres navidades consecutivas.
Rent es uno de los musicales más importantes y populares de Broadway. Se estrenó en Nueva York en 1996 y se mantuvo en cartel hasta el verano de 2008, siendo uno de los musicales más longevos en cartel. Además, es ganador de cuatro premios Tony (los más importantes del teatro musical norteamericano) y un Pulitzer. El verano del 2010 se reestrenó en el Off-Broadway con diversos cambios en su escenografía, vestuario y montaje.
En 2005 Chris Columbus lo adaptó al cine, pero el resultado no fue muy favorable y el éxito fue más bien moderado. Pero el musical en sí se ha convertido en un espectáculo de culto por diversas razones.
En primer lugar, fue un musical rompedor. Su creador, Jonathan Larson, incorporó muchas innovaciones, como poner encima del escenario un grupo de rock para que interpretara sus canciones. La historia está basada en la ópera La Bohème de Giácomo Puccini, pero sus canciones son rock y pop muy original.
En segundo lugar, no se había creado nada igual en el sentido de la historia. Se mostraba la homosexualidad, la pobreza, las drogas, la enfermedad y la diversidad de un modo muy emotivo. Hay ocho personajes: Mimi Márquez (bailarina hispana adicta a la droga, enferma de SIDA), Roger Davis (excantante de un grupo, adicto a las drogas, enfermo de SIDA), Mark Cohen (amante del cine judío), Tom Collins (exprofesor, homosexual, enfermo de SIDA), Angel Dummot Schunard (transexual latino, enfermo de SIDA), Maureen Johnson (artista bisexual), Joanne Jefferson (abogada lesbiana) y Benjamin Coffin III (excompañero de piso de los protagonistas, se ha convertido en el propietario).
El personaje de Angel es de lo más importante, la historia de los personajes se verá marcada por él. Todos tienen sus problemas y conflictos, pero él es quien les une y quien les separa después. Todos están unidos por la pobreza (atados a tener que pagar el alquiler –Rent–) y las diferencias en su orientación sexual y sus enfermedades, que más que separarles, les une, creando incluso un lazo emotivo con los espectadores.
Su creador, Jonathan Larson, era un chico amante del teatro musical que soñaba con crear su propio espectáculo. No había tenido mucha suerte, de modo que trabajaba de camarero para ganar algo de dinero. Cuando finalmente aceptaron a producir Rent, abandonó su trabajo para dedicarse completamente al show. Un día antes del estreno, falleció causa de un aneurisma de aorta, que es una dilatación de la pared de la arteria.
Rent no es un musical bonito, no es todo feliz. Está lleno de problemas, de pobreza, de enfermedades, pero, sobre todo, de amor. Es un musical que ha marcado a diversas generaciones, que ha llegado a muchas personas. Su historia va más allá de los 8 protagonistas, también es un mensaje de amor y esperanza. Su última función en 2010 fue filmada y se publicó en DVD. Es muy recomendable, sus últimas escenas son de lo más emotivas, los actores llorando por el final del show, es fácil soltar alguna lagrimita. 100% recomendable.
Algunas de sus canciones se han convertido en míticas, como la que os dejamos a continuación, Seasons of Love. Se convirtió en una de las canciones más importantes tras la muerte de Larson. Si escucháis la letra, entenderéis el porqué.
¿Conocíais este musical? ¿Os gusta? ¿Os impactó, la primera vez? Queremos saber vuestras opiniones :)
La serie Tierra de Lobos incorpora una trama protagonizada por una pareja de chicas, Isabel y Cristina, que deberán enfrentarse a los prejuicios de la sociedad del siglo XIX para poder lograr estar juntas.
Isabel es hija de Antonio Lobo, el patriarca, junto con Almudena y Nieves, pero ella es distinta. Es una mujer luchadora, aventurera, que cree en su propia feminidad como algo válido como persona, y no está para asuntos amorosos, además no le gusta satisfacer los deseos de su padre, prefiere ser independiente. A pesar de un intento con Aníbal, Isabel no encuentra en los hombres algo que le atraiga, y conoce a Cristina, una prostituta. La atracción que siente por ella cuando la ve bañándose es cada vez más fuerte, aunque Isabel se siente muy desconcertada.
Cuando por fin se dejan llevar por la pasión, Lobo descubre a las dos mujeres haciendo el amor en el bosque, y manda internar a Isabel en un convento. La traición de Cristina y Sebastián provoca un ataque de ira en Isabel, aunque en el fondo las dos mujeres saben que se han enamorado. En el capítulo de ayer, Almudena y Nieves planean un rescate, y la colaboración de una de las monjas permite liberarlas del convento y huyen.
Isabel confesa a sus hermanas que está enamorada de Cristina y corre junto a ella, a refugiarse en el burdel, donde espera no ser encontrada. La escena de Cristina curando las heridas a Isabel es la muestra más evidente y tierna del amor que sienten la una por la otra. La semana que viene podremos disfrutar del último capítulo de la temporada, ¿qué creéis que ocurrirá con esta pareja?
Polémica en Estados Unidos con la película de animación de Dreamworks, Happy Feet 2. En el largometraje infantil, aparecen dos gambas (con las voces originales de Matt Damon y Brad Pitt) que parecen ser homosexuales.
Kyle Smith, del New York Post, se escandalizó al ver que Bill (la gamba de Matt Damon) le pedía a Will (Brad Pitt) tener hijos. Entonces, la gamba de Pitt le dice que los dos son machos, pero Damon le contesta que eso no es ningún problema. Entonces cantan una canción de Wham! (grupo de George Michael).
Kyle Smith comentó: “I’ve got nothing against alternative-lifestyle krill, but what are they doing in my dancing-penguin movie?” (Yo no tengo nada en contra del estilo de vida alternativo de las gambas, ¿pero qué están haciendo en mi película de pingüinos bailarines?).
El comentario de Smith es una falacia. Estar de acuerdo con la homosexualidad (más bien “no estar en contra”), pero sí oponerse a que se muestre a los niños, es pura homofobia. Los niños deben ser conscientes que en la sociedad hay gran variedad de personas, que eso nos distingue pero a la vez nos une. La sociedad conservadora teme que, si los niños ven homosexuales, querrán serlo, como si, primero, eso fuera malo y, segundo, como si fuera una moda (ahora soy gay, ahora ya no, ahora otra vez sí, ahora no…).
Pero esto va más allá de la homosexualidad en el cine. En un artículo de El Mundo, podemos leer que “Hollywood es de izquierdas y a la derecha no parece gustarle demasiado”. Los conservadores americanos se escandalizan con, por ejemplo, Cars 2, por atacar a las empresas petroleras. Los conservadores no aceptan otras ideas, más allá de las suyas, tienen la mente tan cerrada que atacan a la diferencia, viéndola como una amenaza. Son un peligro.
Venga, que ya estamos a jueves, encima es fiesta, y el fin de semana ya está aquí. Por eso, hoy os dejamos un poquito de música.
Os presentamos “Noise”, de Gavin Creel con Robbie Roth. El primero es un famoso actor de Broadway, conocido por interpretar Claude en el revival del musical Hair en Nueva York.
La canción es un proyecto de Broadway Impact, organización que se lucha por el matrimonio igualitario. Esta entidad la crearon Gavin Creel, junto a Rory O’Malley y Jenny Kanelos.
Creel ha declarado: “Siempre he creido en el poder del arte –y de la música en particular- para inspirar los cambios. Espero que esta canción motive a la gente para iniciar la acción, luchar y defender aquello en lo que cree. Pido a todo el mundo que ayude a promover la canción y que su mensaje se vaya difundiendo a través de la red, comprándolo como regalo navideño, hablando de ello a los amigos y a la familia y a todos aquellos que puedan no comprender o creer en la igualdad en el matrimonio, así es como toda esa gente con el poder de cambiar las leyes nos escuchará.”
La canción es muy pegadiza y habla sobre la importancia de mostrar el apoyo por el matrimonio igualitario, de defenderlo abiertamente, de dejar de esconderse, de acabar con el silencio. De ahí que hay que hacer “ruido”(noise). Los beneficios que se obtengan por la compra del single en iTunes se destinarán a la asociación.
En el videoclip que aquí os dejamos nos impresiona mucho el principio, en el que se ven declaraciones de lo más conservadoras y homófobas. En primer lugar, una mujer declara que el matrimonio está formado por un hombre y una mujer, no dos personas del mismo sexo. En segundo lugar, una mujer dice que la política americana del ejército “Don’t Ask, Don’t Tell” (Prohibido preguntar, prohibido decir) debería aplicarse a toda la sociedad, de modo que todos escondieran su orientación sexual. Y en tercer lugar unos manifestantes están a favor de la muerte de los homosexuales argumentando que Dios lo quiere así.
Si esta gentuza no tiene vergüenza en decir estas barbaridades, nosotros tenemos que hacer más ruido para que se escuche más nuestra voz que la suya. Make some noise!
En esta tarde de domingo, os regalamos un poema de Maria Mercè Marçal, una mujer feminista, lesbiana y luchadora con una vida apasionante. Hablaremos de ella más adelante, pero para ir abriendo boca...
La película explica la historia de Andrew Beckett (Tom Hanks), un abogado que se ve obligado a esconder su homosexualidad y, concretamente, que está contagiado por el SIDA. Los jefes de su bufete se enteran y lo despiden. Entonces Beckett decide demandarlos por despido improcedente, pero ningún abogado quiere defender su caso.
Entonces encuentra a Joe Miller (Denzel Washington), que primero se nos presenta como una persona homófoba y muy poco tolerante (por ejemplo, hay una escena que está hablando con su mujer sobre la homosexualidad y él comenta que no le parece natural. Ella le dice que su tía es lesbiana y entonces él, bromeando, le dice a su hija, que no tiene ni un año, que no se acerque a ella). Pero ve cómo Beckett es acosado en la biblioteca cuando el gerente le pide que se vaya a otra sala más apartada de todo el mundo “para estar más cómodo”. Ahí se da cuenta de que se está llevando a cabo una injusticia y decide actuar.
A lo largo de la película veremos a Joe Miller que luchará y defenderá su caso. Puede que su ideología y sus creencias sobre la homosexualidad no hayan cambiado, puede que siga sin entenderlo, sin estar de acuerdo, pero aún así defenderá a Andrew Beckett, que ha sufrido acoso y ha sido discriminado por su orientación sexual.
La homosexualidad se presenta de un modo muy realista, sin estereotipos, como algo de lo más normal, como realmente es. Y el trato del SIDA también es muy correcto, aunque la época en que se ambienta el film, los años 80, se veía la enfermedad como el “cáncer homosexual”, que se aceptaba que fuera la enfermedad de los gays por su “vida pecaminosa”, en la película no se apoya en absoluto estos argumentos (totalmente falsos).
Con esta conmovedora película, se puede ver que los homosexuales y los enfermos de SIDA pueden defender sus derechos, que deben vivir dignamente, que el acoso y la discriminación por razón de orientación sexual o enfermedad es intolerable. Hay que evitar la creación de un estigma, debemos integrar los enfermos en la sociedad, ya que no son culpables de su enfermedad. Pero también es básica la información y la prevención para evitar el contagio.
Aquí hay una de las escenas más brillantes de la película, más dramáticas y más impactantes. Andrew Beckett dará una importante lección a Joe Miller sobre la vida, la pasión y humanidad, escuchando La Mamma Morta de Maria Callas:
La Mala Educación es una película escrita y dirigida por Pedro Almodóvar que se estrenó en 2004 y fue proyectada en muchos festivales internacionales de cine como Nueva York, Toronto, Moscú, Cannes o Estados Unidos. La Mala Educación no es una película autobiográfica como se pensó en el momento de su estreno, sino que Almodódovar, como en muchas otras ocasiones es un fiel defensor de los derechos LGTB y por ello esta película trata con gran interés el tema. El reparto está encabezado por Gael García Bernal, Fele Martínez, Javier Cámara o Lluis Homar, entre otros.
La Mala Educación está ambientada en Madrid de 1980. Narra la historia de Enrique, un director de cine que recibe la visita de un actor en busca de trabajo, que afirma ser su compañero de colegio y primer amor. Se trata de Ignacio, su compañero, de nombre artístico Ángel, que le lleva una historia llamada “La Visita” sobre ambos durante sus años en el colegio católico y los abusos físicos y sexuales que sufrieron por parte del padre Manolo.
En dicha historia aparecen tres personajes del colegio años después, cuando son adultos. Enrique es un joven padre de familia e Ignacio se ha convertido en Zahara, un travesti drogadicta que imita a Sara Montiel en un club nocturno. El relato está contado desde el punto de vista de Zahara y el encuentro ficticio de los tres personajes termina de manera trágica.
Enrique desconfía de Ignacio al ver que éste es diferente de cuando era más joven. Cuando viaja a Galicia para visitar a la familia de Ignacio descubre que el verdadero Ignacio lleva cuatro años muerto y que fue su hermano pequeño el que se personó en la oficina de Enrique.
Las actuaciones en esta película, especialmente de Gael García Bernal, son muy creíbles. Los dos principales protagonistas se meten de lleno en el papel de dos homosexuales, uno de ellos además transexual. En algunos casos el comportamiento de ciertos personajes, como Paca o Paquito (Javier Cámara) –metido en la piel de un transexual que acompaña a Zahara al internado donde ésta estuvo de pequeña para conseguir dinero del padre Manolo–, hacen que la película sea más fácil de digerir y más divertida. Unos de los aspectos que hay que destacar independientemente de la actuación de los actores y de la trama argumental es la banda sonora, con una voz del Ignacio de pequeño que pone los pelos de punta. Asimismo, en esta película aparece el “cine dentro del cine”, un tema que ya ha aparecido en otras películas del director manchego como ¡Átame!.
Sin duda, la expectación y las ganas de verla aumentan por dos motivos: por ver el tratamiento de la religión y el abuso a los niños, una temática bastante actual durante el último año y por reinterpretar la sociedad de Madrid en el año 1980. Esta es una muchas películas que llevan el sello Almodóvar, donde aparecen temas propios de la filmografía del director como son los homosexuales, las drogas o los líos.
“No se lo digas a nadie” es una novela de Jaime Bayly, autor que nació en Lima en 1965. La verdad es que la historia de este escritor es de lo más peculiar, es un presentador de televisión abiertamente bisexual, muy polémico en América Latina. En España conocemos poco sobre su trayectoria profesional, solo sus libros y alguna información de los más extraña como una declaración que hizo aproximadamente hace un año: “No soy gay, no puedo ser gay, me siguen gustando las mujeres. Conocí a Silvia y me enamoré de ella. Pasaron dos cosas: ella me curó la impotencia; y, al enamorarme de ella, mi lado gay quedó eclipsado”.
Pero ahora no vamos a entrar en debate sobre cómo es este escritor, ni mucho menos vamos a criticar su personalidad. Principalmente porque nos falta información como para poder hacer algo así. Nos limitaremos a comentar su libro “No se lo digas a nadie”.
Explica la historia de Joaquín, desde su infancia hasta la madurez. El chico vive en una familia muy conservadora. Su madre, Maricucha, es muy religiosa. Quiere que su hijo siga la línea de la Biblia y la Iglesia católica. Por ello, concibe la homosexualidad como un pecado, algo que su hijo no puede ser, no lo tolera. Es una mujer que vive en constante depresión al ver que su hijo no es como le gustaría que fuera y que su marido es un mujeriego y vive en pecado. Joaquín intenta contarle que es gay, pero ella no lo acepta, le dice que es solo una etapa, que lo superará y que Dios le guiará.
Después también está su padre, Luis Felipe. Es un hombre muy sexista, machista, muy desagradable. Quiere que su hijo sea como él y se decepciona al ver que no se parece en nada. Culpa a su mujer, por, según dice, haberlo mimado demasiado, y dice que es “maricón” por ella. Le busca mujeres (mayoritariamente prostitutas) para que se acuesten con él y siempre le está dando consejos de lo más asquerosos (y sobre todo falsos), sobre la sexualidad de las mujeres.
La historia de Joaquín es bastante impactante. Sintiéndose abandonado, huye de su casa. En su viaje encontrará hombres con los que mantendrá relaciones, pero jamás encontrará el amor, siempre se sentirá apartado de la sociedad por su sexualidad, incluso intentará volverse heterosexual relacionándose con mujeres, pero no lo conseguirá.
El personaje de Joaquín es muy desagradable. A medida que avanza el libro, deja de ser el niño inseguro, que tiene dudas y miedos sobre su sexualidad para ser un chico demacrado, amargado, abandonado, marginado, drogadicto… ¿Es su sexualidad la que lo lleva a eso? No, es la sociedad intolerante, conservadora, atrasada… Sus valores generan desigualdad y odio.
El libro en general está bien. Su estilo no es lo mejor que tiene precisamente, pero los personajes están muy bien construidos y relata una realidad latente, con situaciones muy creíbles. Es impactante.
"Sometimes I miss you so bad I can hardly stand it. I wish I knew how to quit you"
La inolvidable película de Ang Lee es un disparo directo al corazón. Una película histórica donde triunfan el fallecido Heath Ledger y Jake Gyllenhaal, dos personajes que se convierten en un alud de sentimientos y construyen una historia de amor desafiante. Dos trabajadores de rancho de Wyoming que se enfrentan ante sus propios deseos y negaciones.
Una delicada adaptación del cuento corto escrito en 1997 por Annie Proulx, a manos de los guionistas Larry McMurtry y Diana Ossana, junto con la delicadeza de Lee, presentan una descarga emocional tan incesante como vulnerable.
Los medios de comunicación americanos la siguen etiquetando BrokeBack Mountain como la película de vaqueros gay, y la sociedad observa como la homofobia de la Iglesia y otros organismos conservadores, condenan la película sin tan siquiera dignarse a verla. Hagan e l favor: vean primero la obra de Lee y luego hagan sus juicios. La realidad es que es una revelación. La historia de Jack Twit y Ennis del Mar empieza en 1963, cuando son contratados para cuidar del rebaño de ovejas de Joa Aguirre, un ranchero de Wyoming. El whisky y los caballos permitirán a los protagonistas ir tejiendo una relación personal y dar testimonio de que en el amor, no hay ningún manual de instrucciones. La complicidad, el deseo, el frío, la duda… decidirán el resto.
El cuento de Proulx explicaba que “Nunca se habla de sexo [en su historia], se deja que suceda, al principio sólo en la tienda por la noche, luego a plena luz del día con el calor del sol, y por la tarde en el resplandor del fuego”. Ang Lee y su equipo consiguen transformar esta historia en poesía visual a través de la naturaleza, capaz de transmitir belleza y terror, y de un diálogo inteligente y natural. "No es asunto de nadie más que nosotros", Jack le dice a Ennis. El amor de los dos protagonistas termina cuando su jefe les descubre y decide no contratarlos. Ambos se casan y tienen hijos, sin afán de vivir mentiras, pero la verdad siempre acaba resurgiendo y, esta vez, lo hace cuando Jack visita a Ennis después de cuatro años.
Ang Lee dirige una historia de amor menos venenosa de los que muchos quieren hacernos creer. El diálogo convive perfectamente con silencios necesarios, para crear un mundo entero que se puede leer de manera elocuente y conmovedora en los rostros de los actores.
Magnífica interpretación de Ledger en muchos momentos, porque parece que el amor se agarra a sus entrañas. Ledger no sólo sabe cómo Ennis se mueve, habla y escucha, sabe cómo respira. Como Jack le dijo a Ennis una vez, "Brokeback nos hizo bien".
“...y es que del amor, como de la vida, siempre se espera más y nunca se está satisfecho”. Posiblemente la frase más significativa de la novela que hoy queremos daros a conocer. Se trata de 'Beatriz y los cuerpos celestes', de Lucía Etxebarría, y no te permite respirar ni un sólo segundo, especialmente si eres de esos lectores que doblan páginas, subrayan frases y escriben apuntes. A veces da la sensación de que la novela es tan intensa que no puedes dejar de pasar páginas y páginas arrepintiéndote de haberlas leído ya. Eso ocurre con nuestra Beatriz y su mundo espacial - y especial -, lleno de claustrofobia hacia todo aquello que forma parte de su propia vida, incluidos el amor cruzado, el miedo y los deseos más íntimos.
La novela de Etxebarría ganó el Premio nadal en el año 1998. A veces parece que empezar a descubrir su literatura sea como ponerte al revés, porque la novela va tejiendo una suave tela de líneas dispares, que se reencuentran, se tuercen y se aman. A veces resulta épica. Tres mujeres: Cat, Mónica y Beatriz. Y el amor. El amor en femenino, ni demasiado lésbico - si es que hay algún demasiado - ni excesivamente rosa. Tampoco banal, pero sí lleno de nubes, aromas y pensamientos. Beatriz estudia literatura en Edimburgo y a menudo se esconde en el ambiente húmedo de Escocia, bajo las sábanas que comparte con Cat. Una jóven felina que salva a Beatriz de caer una y otra vez en sus propios fantasmas, en su tormentoso pasado en Madrid, en su huída asfixiante... y allí está Mónica.
“Ansiaba la perfección de un estado primordial, un estado de fuerza y autonomía anterior a lo masculino o a lo femenino. No quería ser la mitad de uno”, dice Beatriz. Fugitiva y buscadora de lo inesperado, tratará de encontrar su propia plenitud probando todos los caminos posibles.
Un fragmento poco concreto pero muy significativo... “Una radiación, bautizada por científicos como el Fondo Cósmico de Microondas, constituye el origen de la vida y lleva en sí la huella de la materia oscura y materia brillante. Inunda el universo, lo impregna todo, pero no está asociada a ningún objeto en particular. A fin de cuentas todos somos una parte de un todo mucho más grande que nos integra, todos llevamos dentro el caos y el orden, la creación y la destrucción. Todos somos al mismo tiempo víctimas y responsables de nuestra propia vida. Para lo bueno y para lo malo, todas las sendas de lo posible están abiertas a los pasos de lo real. Pero no todos somos tan sabios como para comprenderlo ni tan audaces como para trazarnos un itinerario."
Sólo queda decir que la novela de Etxebarría te induce a perderte muy dentro de ti mismo. Entiéndase como se quiera.
Este fin de semana, os recomendamos otra película musical. En este caso, porque mañana se cumplen 47 años de la muerte del mítico músico y compositor de Broadway, Cole Porter.
De-Lovely comienza en el apartamento del compositor, cuando está tocando una canción triste. Entonces, de mano del arcángel Gabriel (Jonathan Pryce) –escogido expresamente para poder después cantar la canción Blow, Gabriel, Blow del musical Anything Goes–, recuerda toda su vida desde la butaca de un teatro, como un espectador más.
Así pues, recordará cómo compuso muchos de sus famosos musicales, como See American First, Anything Goes, Kiss Me Kate, Jubilee… Pero también recordará cuando se enamoró del amor de su vida y musa, Linda Lee Porter (Ashley Judd). Muchas de las canciones de los musicales, estaban inspiradas en su mujer, en situaciones que habían vivido los dos y, por lo tanto, eran muy pasionales y profundas.
Pero había necesidades que Linda no podía cubrir. Y es que Cole Porter (Kevin Kline) era bisexual y mientras estaba casado con su mujer, también se enamoró y tuvo relaciones con otros hombres. Un número en que se representa esto es Love for Sale, donde Porter visita muy a menudo bares de ambiente. Su mujer conoce esta faceta de su marido y la acepta.
La película realmente está muy bien. Se mezclan las escenas con canciones de Cole Porter, como It’s De-Lovely, So in Love, Anything Goes, Night and Day, Let’s Do It (Let’s Fall in Love)… Muchas de las cuales, están interpretadas por caras conocidas como Robbie Williams, Sheryl Crow y Alanis Morissette.
Es un retrato de uno de los músicos más importantes de Broadway de los últimos tiempos, sus musicales se reestrenan frecuentemente en Nueva York, el último de ellos fue este mismo año, Anything Goes, que ganó 3 premios Tony Awards, los más importantes del teatro musical, por el mejor revival de un musical, mejor actriz de un musical (Sutton Foster) y la mejor coreografía (Kathleen Marshall).
Pero también es impactante el deseo de normalidad de la homosexualidad incluso en las primeras décadas del siglo XX. Cole Porter es bisexual, pero su mujer lo acepta como algo necesario, que no puede cambiar, que forma parte de la manera de ser de su marido. Cuando Gabriel le pregunta al protagonista si, cuando se acostaba con hombres era realmente él, le contesta: “¿Por qué? Así eran las cosas, así era yo. Quería a todas las formas de amor disponibles y nunca las encontraba en una sola persona ni en un solo sexo.”
De-Lovely también es un film dedicado al amor por la música, la pasión de las artes, el escenario, los musicales. Una frase mítica que representa este énfasis por el mundo del espectáculo es: “Si yo fuera creyente, Dios sería bailarín y cantante. Tendría que cantar sin desafinar, de preferencia, un tema mío”.
De-Lovely. 2004. Director: Irwin Winkler. Guión: Jay Cocks. Reparto: Kevin Kline (Cole Porter), Ashley Judd (Linda Lee Porter), Jonathan Pryce (Gabe), Kevin McNally (Gerald Murphy), Sandra Nelson (Sara Murphy), Allan Corduner (Monty Woolley), Peter Polycarpou (Louis Mayer), Keith Allen (Irving Berlin), James Wilby (Edward Thomas), Kevin McKidd (Bobby Reed), Richard Dillane (Bill), Edward Baker-Duly (Boris).
Timothy (Tanner Cohen) es un chico abiertamente homosexual que vive en un pueblo muy conservador norteamericano. Su madre, Donna (Judy Mclane), acepta la condición sexual de su hijo, pero desde la distancia e intentando obviar el tema, ya que la conlleva al rechazo de la sociedad.
Motivado por su profesora de arte dramático, Mrs. Tebbit (Wendy Robie), Timothy participará en la obra musical de la escuela, Sueño de una noche de verano de William Shakespeare, y hará el papel de Puck. También participa el chico del que está enamorado, Jonathon (David Becker).
En la obra original de Shakespeare, Puck creaba una poción mágica que aquel que la recibía se enamoraba de la primera persona que veía. En Were the World Mine, Timothy descubre cómo hacerla y la usa con Jonathon para que se enamore de él, pero también con los demás ciudadanos del pueblo, que la mayoría se vuelven homosexuales.
La película es un musical muy original en las coreografías y en las canciones, ya que mezclan versos de la obra original de Shakespeare. Pero la historia no es muy buena por el hecho de ver cómo un chico homosexual cumple sus deseos de volver a los demás gays. Es muy tópico, aunque también es una crítica al conservadorismo, lleno de prejuicios y homofobia.
Es impactante el papel de la madre de Timothy, que tolera la homosexualidad de su hijo, pero no se quiere acercar demasiado para no poner en peligro su trabajo. De hecho, se molesta por el hecho que su hijo haga el papel de Puck, pues es un hada.
Were the World Mine, es un relato de las dificultades de la homosexualidad en la adolescencia, acentuadas por la homofobia de una sociedad más bien conservadora en valores morales. Pero también es un relato de los sueños y las fantasías, del deseo de libertad y, ante todo, de amor.
Were the World Mine. 2008. Director: Tom Gustafon. Guión: Tom Gustafson, Cory James Krueckeberg. Reparto: Tanner Cohen (Timothy), Wendy Robie (Mrs. Tebbit), Judy McLane (Donna), Zelda Williams (Frankie), Jill Larson (Nora), Ricky Goldman (Max), Nathaniel David Becker (Jonathon), Christian Stolte (Entrenador Driskill), David Darlow (Doctor Bellinger), Brad Bukauskas (Cole), Parker Croft (Cooper), Reid Dawson (Russ), Waymon Arnette (Henry), Yoni Solomon (Bradley), Alexander Aguilar (Taylor), Zach Gray (Ian), Colleen Skemp (Becky), Julia Black (Crystal), JR Rose (Alcalde Robbins).
Y aquí va el vídeo de la canción que da nombre a la película:
